Martin Scorsese: una advertencia sobre la intención del autor

No todos los públicos abandonan una película habiendo interpretado adecuadamente sus temas y mensajes. A veces eso es culpa de los realizadores, otras veces culpa de los espectadores. En referencia a esto último, el crítico de cine Jeffrey Overstreet escribe lo siguiente:

La gente malinterpreta y tergiversa el gran arte todo el tiempo. Muchos creen que Satanás es el «héroe» de «El paraíso perdido» de John Milton. es posible leer El gran Gatsby y salir viendo a Gatsby como un modelo a seguir. Basta con mirar todas las formas desagradables en que la gente ha malinterpretado las Escrituras y las ha utilizado para promover sus propios intereses.

Estos son puntos destacados que vale la pena considerar. Aun así, hay ocasiones en las que los cineastas han comunicado, sin darse cuenta, mensajes distintos de los previstos. Y no es sólo un error cometido por artesanos novatos.

Screen Junkies resumió recientemente la película de Martin Scorsese “Killers of the Flower Moon” así: “El legendario director Martin Scorsese expía la injusticia histórica de hacer que los criminales parezcan geniales o competentes en sus películas anteriores”. El punto implícito detrás de este comentario humorístico es que Scorsese tiene la costumbre de retratar a los antihéroes como glamorosos y atractivos.

Ningún director –ni siquiera las leyendas vivientes– debería estar por encima de las críticas legítimas. Por tanto, evaluemos tres muestras de la filmografía de Scorsese, comparando su intención original con el resultado funcional.

“Taxista” (1976)

Al escribir sobre “Taxi Driver”, Scorsese comparte cómo “me sorprendió la forma en que el público tomó la violencia”. Su intención era que la brutalidad «creara una catarsis violenta… como una extraña sesión de terapia en California». En cambio, los espectadores gritaron y chillaron con evidente aprobación. “Cuando lo hice”, escribe Scorsese, “no tenía intención de que el público reaccionara con ese sentimiento” (Roger Ebert’s Book of Film, p. 534). El público respondió a sus elecciones estilísticas de una manera que él no pretendía; de hecho, de una manera opuesta a sus intenciones.

Como se mencionó anteriormente, a veces esta discordancia entre el cineasta y el público se debe a la inmadurez del primero, no del segundo. Sin embargo, con Scorsese y “Taxi Driver” la situación es diferente:

El ejemplo de Scorsese ilustra cómo la intención de un director no existe en el vacío. Sería intelectualmente deshonesto creer que la intención artística anula automáticamente cualquier posible mal uso de estilo o técnica. Y las representaciones explícitas de violencia… son susceptibles de recibir mensajes no deseados.

El comentarista cultural Samuel D. James aborda la violencia de las obras de Scorsese:

Me parece que la idea de que se puede provocar repulsión moral simplemente representando el mal supone dos cosas. En primer lugar, supone que el ámbito de lo visual puede manipularse para evitar la excitación y proceder directamente a la condena. En segundo lugar, supone una audiencia que posee una imaginación moral que los motivaría y los equiparía para hacer esto. La primera suposición podría ser falsa. La segunda suposición lo es absolutamente.

De hecho, en una película hay mucho más en juego que la simple intención del cineasta.

“La última tentación de Cristo” (1988)

Scorsese explica que quedó “muy conmovido” por “El Evangelio según San Mateo” (1964) de Pier Paolo Pasolini, una película reconocida por el Vaticano como una de “muchas producciones valiosas durante los primeros cien años de la historia”. [cinema’s] existencia.» Y durante años Scorsese quiso hacer una película sobre Jesús.

Al final, con “La última tentación de Cristo”, Scorsese intentó explorar la naturaleza dual de la divinidad y la humanidad de Cristo, con énfasis en esta última. La idea era que, si pudiéramos presenciar a Dios encarnado enfrentando las tentaciones como lo hacemos nosotros, podríamos ver que él “se preocupa más por nosotros… porque realmente sabe por lo que pasamos”. La intención de Scorsese era no «para sacudir la fe de cualquiera». Un resultado así, dijo, sería “lo último que querría hacer en el mundo”.

Sin embargo, el crítico católico Steven D. Greydanus ofrece una evaluación mesurada y razonable de la película:

Un Jesús que comete pecados, que incluso piensa que comete pecados, que habla mucho de necesitar “perdón” y pagar con Su vida por Sus propios pecados; un Jesús que habla él mismo de blasfemia e idolatría, llamando al miedo su “dios” y hablando de estar motivado más por el miedo que por el amor; que tiene, en el mejor de los casos, una relación ambivalente con el Padre, incluso tratando de merecer el odio divino para que Dios lo deje en paz, todo esto es completamente antitético a la creencia y el sentimiento cristianos. Esto no es simplemente centrarse en la humanidad de Jesús, sino que efectivamente contradice Su divinidad”.

Incluso Roger Ebert, que inicialmente “defendió la película contra acusaciones de herejía”, finalmente cambió de opinión: “La película es, en efecto, técnicamente blasfema”, escribió. “Me convenció de esto un reflexivo ensayo de Steven D. Greydanus del National Catholic Register, un escritor convencional que explica de manera simple y concisa por qué”.

Que Scorsese no haya elaborado la película con malas intenciones no viene al caso. La blasfemia es una blasfemia, por muy sincera que sea.

“El lobo de Wall Street” (2013)

Scorsese retrató explícitamente el estilo de vida libertino de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) y sus asociados en “El lobo de Wall Street”, pero lo hizo con intenciones específicas y decididas. En una entrevista con Deadline, explicó que no quería que los miembros de la audiencia se vieran a sí mismos como meros observadores de la avaricia de Belfort. Quería que “se les dé una bofetada para que reconozcan que este comportamiento se ha fomentado en este país” y que afecta tanto al mundo empresarial como al mundo empresarial. y cómo vivimos nuestras propias vidas.

Para citar una vez más a Overstreet, “las intenciones de los cineastas eran acercarnos y exponer el mal… la forma en que los médicos amplían las radiografías para exponer el cáncer… de modo que nos sorprendamos ante su realidad, vivamos con mayor conciencia sobre él, evitemos y evitar contribuir a las condiciones que lo hacen posible”.

Estas intenciones son buenas, incluso loables. Pero los métodos que Scorsese eligió para contar su historia terminaron promoviendo algo de lo que deseaba condenar, especialmente en lo que respecta a la degradación sexual de las mujeres. La forma en que fueron elegidas las actrices Margot Robbie y Maria Di Angelis; la forma en que el propio guión deshumanizó a Naomi Lapaglia (el personaje de Robbie); la forma en que ciertos actores se excitaron ante los actos sexualmente degradantes que se filmaban; Las experiencias “estresantes” de Robbie al filmar escenas de desnudez sexualizada; todos estos métodos objetivadores demostraron, en general, emocionar y excitar (en lugar de horrorizar) tanto al público como a los críticos.

No soy el único que hace tales afirmaciones:

• IGN llama a la película “un estimulante día de San Valentín hacia la decadencia a pesar de sus trampas de advertencia”, y que el elemento más débil de la película es su manejo de los personajes femeninos: “no hay mucho en las mujeres de esta historia además de ser dulces para la vista o puras putas. «
• Business Insider dice: «Hay t&a gratuitos» con «tantas escenas de orgías» y «tanta desnudez y sexo», y que «las mujeres son pocas y distantes a menos que estén desnudas».
• Mito parpadeante pregunta: “¿Gratuito? Demonios, sí… casi como Game of Thrones que nunca pierde la oportunidad de mostrar el pecho de una mujer”.
• Guarida de frikis hace referencia a las tres horas de duración de la película de «uso gratuito de desnudez y sexo».
• SF semanal dice: “Glorificación [of vice] Puede que no sea una intención pero puede ser una consecuencia” de la película.

Cabe señalar que los extractos anteriores están tomados de críticas positivas y, a veces, incluso eufóricas, de “El lobo de Wall Street”. Que Scorsese se excedió en su mano (unas 312 cartas) lo demuestran incluso aquellos que amado la película.

El engaño de (las representaciones del) pecado

Hay muchas cosas que puedes intentar hacer bien o correctamente, pero te quedas corto. Por ejemplo, puedes intentar preparar una comida deliciosa, pero si, sin darte cuenta, arruinas la receta, te decepcionará. Tu paladar no puede saborear las “buenas intenciones”. En cierto sentido, ese es un componente clave del ser humano: no alcanzar la meta a la que debemos aspirar (ver Romanos 3:23).

Como lo expresa sucintamente el propio Scorsese: “El pecado es divertido”. Su atractivo proviene de su poder engañoso (Heb. 3:13). Por tanto, existen riesgos inherentes a las vívidas representaciones del pecado en las artes visuales. No siempre existe una línea clara entre lo impactante y lo sensacionalista, entre lo explícito y lo exhibicionista, o entre lo simple y lo gratuito. Es, como mínimo, posible llevar las cosas demasiado lejos. Y en una época en la que prácticamente nada en la pantalla está prohibido, el peligro actual para los cineastas es inclinarse demasiado hacia una narración lasciva en lugar de una narración aséptica.

Martin Scorsese es considerado uno de los mejores directores de todos los tiempos. Que un cineasta tan renombrado pueda, en ocasiones, juzgar mal los efectos de sus elecciones artísticas (y en tal medida) debería ser un recordatorio aleccionador para nosotros. Haríamos bien en abordar las películas que vemos con discernimiento, negándonos a aislar la intención del cineasta como el único factor en nuestra evaluación. Haríamos bien en comprometernos críticamente con nuestras propias acciones y creaciones artísticas también.

Como dice el refrán: «El infierno está lleno de buenos significados, pero el cielo está lleno de buenas obras». No basta con allanar el camino que tenemos ante nosotros con buenas intenciones; lo incorrecto por la razón correcta sigue siendo lo incorrecto.

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